2024-09-26 14:11
三人展《临时有事》
Provisional Matters
艺术家聚焦
萧文杰
展期
2024/07/24 - 09/14
香格纳北京当前正在呈现展览《临时有事》，带来艺术家吕岩、吴尚聪、萧文杰的一系列作品。本期推送聚焦艺术家萧文杰，除了分享其身边友人对作品的印象和评论之外，我们也与艺术家本人进行了“创作十问”。
萧文杰，1982年生于香港，2002-2005年进修于四川美术学院，现工作生活于北京。萧文杰说话带着浓重的“港普”并夹杂一些“川普”的味道，在他看来，画画这件事不应该存在一个“好”的概念，他的作品就像他的口音一样无法被定义。
“萧文杰的绘画慢慢褪去可辨认的形象的时候，现实事物的色彩关系还被他保留在画面上。这一点让他的绘画艰涩而又有现实的负重。及至近期，他开始直抒胸臆，色彩于是偏离了现实的羁绊，成为了独立表现的证据。然而，画布与颜料与画笔的阻塞形成的物质感，还是牢牢的把他的绘画捆绑上现实的沉重，从这一点来说，他一直都没离开过他自己的语言，这就是真实。”
——王光乐
“在萧文杰工作室聊天，我感觉他的绘画工作从始至终都是自省的状态，他会自我屏蔽那些流行的图示，尤其屏蔽掉那些‘好’的存在标准，从而刻意找到自己的‘弱点’并面对它，用自己的脆弱来对抗那个好的标准。萧文杰面对画布时的工作就像鲁迅《过客》里的中年人那样面对绝望，作出选择。”
——邸小伟
“他的画里有一种连续不确定性，造成大家不清楚他画的是什么，我也定义不了他的画到底是什么，你可以看一遍直接走，你也可以缓慢地进入到这种陌生的东西里，我觉得这个倒是挺有意义的。”
——何伟
艺术家创作十问
1. 这次展览主要呈现你从2022年开始的最新系列《坨》，为什么会取这个名字？
对我来说“坨”是一种观看事物的方式。举个例子，像光的波粒二象性，以前科学家不停争论和证明光到底是电池波还是微粒，到最后说两个都是对的，那到底光是什么？我们看事物都习惯需要看见一个明确的焦点，等脑袋出现明确文字之后就可以更好去确定事物是什么。但如果一个事物同时出现多个焦点但它们又是予盾的，脑袋就开始转不过来，因为脑袋出现不了文字，剩下来就只能接受或者体验。用“坨”是因为我把很多焦点放在同一个画面上，它们互相予盾互相消解，到最后它就变成一团很难形容而且陌生的画面。其实也考虑过其他几个字，例如“团”，最后还是用了“坨”，是因为这个字物质感更强一点。
2. 这个系列自身如何发展？和你之前作品最大的共同点和差异性在哪？
之前2014年我在画一个名为“阴影”的系列， 一开始是个偶然，在工作室的角落上看见一个阴影，之后就开始画下去，慢慢我把场景去掉，只画一些衣服的影子，再到只是一个没有指向性的阴影。我自己整理一下这个阶段好像是从有到无的一个过程。但去到某个地步我就画不下去了，因为把自己放在一个太虚无的位置，画面的元素很小所以可变化的可能性变得很窄，每次我只能改变一下颜色和形状，而且后面觉得虚无就是什么都没有，这样理解太表面了，所以一下感觉到头了。
之后到“坨”这个系列，我把之前的逻辑反过来，我一开始就把能想到的都放在画面上，一张接一张，等画面自己筛选有哪些元素是需要的还是不需要的，再好好整理自己的想法，现在看起来好像和之前阴影系列一样，又是从“有”慢慢又走向“无”，但这次和之前的方法和角度都完全不一样，对自己想要的有更好的理解，而且现在还是在过程中，到最后会变成怎样我都不想太确定。
很多朋友第一眼看到作品会认为是抽象，我觉得抽象只是一个画种的分类，对我来说不是特别重要，我还是觉得自己在画一个物。
3. 绘画性在你作品中有什么样的地位？感觉你在创作中更强调观念。
观念对我来说是一个工具，是用来了解自己的工具。我很喜欢印度哲学家克里希那穆提的一句话：“先去了解思维的整个过程。”这句话的意思大概是，先了解思维的整个过程远比去追求一些伟大的思想更为重要。画面从空白到有，是由一套我所学习过的智识体系里面选取出来的，这套知识体系里有很多是我和非我，而这个过程里面的选择和行动背后是一堆信念或者世界观去堆动的。但我会先设定我是不了解我自己的，所以先选择自己认为比较接近我的观念作为方向去绘画，但我画画时我会尽量放松什么都不想，用本能和绘画经验来画，画了几张之后再看看画面和观念是否是同一件事，因为在绘画的过程中如果身体和思想都足够放松时，画面会出现一些我都不了解的效果，而这些效果出现次数多了我就会想想他背后是不是有什么讯息，在这个过程中观念会影响画面，而画面都会影响观念，从这种不确定的运动中去接近自己。所以我会认为观念是一种了解自己的工具。
绘画性是很重要的，我理解的绘画性不是技术问题，而是画本身这个行为，它很多时候是非理性的，思想越小反而绘画性会更容易流露出来，但思想是很难摆脱的，所以要经过很多阶段和时间去消解思想。就像以前读书时老师会叫我们画松一点，为什么会要从写实到放松？我想当时的艺术家写实的技术和理解已经很完整了，画得太多之后可能有一刻感觉这些技术和造型都不重要了，他们理解到之前的知识里面的无意义，思想一减弱身体和画面就放松下来，之后就产生了一个新的绘画性。所以作为画家怎样做到只是画一张画是一个很终极的问题。
4. 整个创作过程似乎是向内的，自给自足的，你更专注于个人内心深处对艺术的理解，并不渴求和现实世界直接产生关系，或者说为现实生产出具体的意义？
内心对艺术的理解就是和现实的关联，艺术是一个公共的事，文化历史构建了艺术架构和知识全都是群体一起去完成的。我对艺术的认知都是从这里出来的，所以我怎么理解艺术其实就是和现实的连结，如果没有现实的经验来作为参照，所谓内心基本上是不成立的。如果说要为现实产生什么意义，可能只是我在用一个什么样的角度去理解艺术、绘画而已。
5. 相比于工作室，作品放在展厅里似乎呈现出一种超出想象的“色彩愉悦感”，你对于“好看”这件事怎么看？
"好看"像是一种大众的普遍共性，它会可以快速地去吸引人，但它会把其他东西遮盖掉。我不是要排斥它或者说它是不好的，我只是不太想它在我画里面占的成分太多。
6. 作品画面同时呈现出一种强烈的迷离失焦感，是有意制造这样的效果吗？
画面上是最基本的点线面，这些元素和颜色都是跟着画面走。其实一开始没有特别刻意去做这种效果，就是后面思想相对上比较清晰一点之后，画面慢慢就出现一点点这样的效果，再画下去之后方法就跟上来了，这种效果就更强烈了。回过来再想其实我又在做“阴影”系列的方向，失焦、迷离、不确定、模糊等这些效果其实都是虚无的另一种呈现。
7. 你的绘画似乎是明确和模糊，肯定和否定之间反复横跳的过程，是哪个时刻让你停下画笔，认为作品已经完成？
当画到一定的遍数时画面出现了我觉得有意思的效果，我就会停下来想想，如果再画下去是在加强这种效果还是会把它盖掉。如果可以加强我就再画一点就完结了，如果再画下去会盖掉的话，我就会马上结束它，哪怕是有些不足，我宁愿把那个效果保留下来，而不是一定要画到特别完整或者是特别满意。因为有些东西是靠养出来的，如果每次都画得特别完整或者满意，那会把很多不确定的或者是偶然的但有意思的东西盖掉。
8. 最新的作品都是画在油画布的背面，和之前的经验有何不同？
因为我作品里有很多层次的颜色，但是油画布正面有底胶，画太薄的话会颜色很容易掉，但是把画布反过来没有底胶的那面就没问题，因为颜色会染进布里面，画得再薄都不会掉，而且画布表面不平整更容易画出模糊的感觉。
9. 你的作品看似完成得很快，实际花的时间很长，时间主要投入到哪些方面？
主要时间都是花在寻找和观看上面。因为在开始画之前，我没有草图连色向都没有计划，所以都是画着画着看看它会出现什么，再跟着画面走，这个过程有时候出现得比较快，有时候要找很久，而且有时候出现一些效果连我自己都会觉得很陌生，所以要花时间去观看它把要把它看习惯，等自己都接受了再画下一层。有时候我会刻意把画上下左右反转来观看，画面一换个方向陌生感又会出现，之后再观看到接受再画下一层，所以一张画大概要画一个月左右。
10.日常生活中你都有什么样的爱好习惯，会给创作带来灵感和养分？
我会有打坐的习惯，我觉得打坐有点像电脑清内存一样，可以让脑袋清晰一点，而且如果能做到"什么都不想"这种状态还挺愉悦的。
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