对刘聪作品的关注已久，但很难用某几句话来总括他的创作实践，起初惊讶于他对绘画性的敏感，随后视错觉的跨维度趣味被他最大程度地运用到画面当中，近几年艺术家更是走向了更加理性的绘画逻辑，“格局”“韵律”“手感”“智性”等都隐匿在物之上的形与色当中，节制的美感越发突出。自2010年毕业后，除了自身的天赋才华，刘聪回到个人的价值中重新审视艺术，一直保持着积极的尝试，一步步推进创作的深度，这些都是他近几年备受关注，快速成长的重要因素。

Q：你最新阶段作品在关注什么？
A：我现阶段的作品大都不是从某个“关注点”展开的，近三年的创作方式比较稳定，我用室内写生的方式创作，通常会比较长时间的持续在绘画状态里，能让我保持必要的专注和敏感。有些具体的限制，比如拒绝使用照片，用最基本的绘画工具，有限的绘画技术。我有点偏执于“手”的参与，也喜欢对我来说更具难度的绘画方式。具体到作品，有些会有比较强的方向性，实现某种想要的感觉；有些作品在造型或者空间，或者含义上有相互的勾连，方式都不太一样，但整体上我近几年把自己放在了一个比较平稳克制，甚至在很多人看来比较“无聊”的创作状态里。

Q：你所欣赏的作品应该具备的特点是？
A：我比较欣赏“耐看”的作品，它们一眼看去不一定是非常强烈或者直接的，但能经得起看。“有意味的形式”并不仅仅是形式问题，“似与不似”也不仅仅指形象之间，每种感受背后有具体的思考在里面。

Q：你在新系列作品中营造的空间极为克制，有些时候还会带有些错位，这似乎是顺延了之前的创作脉络，虽然不明显但却不可忽视？
A：上一个阶段的作品取材于照片，我用分割图像的方式重组了作品的平面结构，拼贴的错位感丰富了看画的感受和局部之间的含义。现阶段一些组合的作品保留了这种结构画面的方式，去掉了叙事性的内容，画面中的形象依然是具体的，但感受上更偏向于抽象，偏向在具体的绘画过程里实现出来的，有抽象意味的绘画符号。去掉叙事性的内容是我有意识的选择，我保留了上一阶段作品里偏理性部分的绘画逻辑。
空间的克制来自我与画布表面的直面，我将颜料赋予表面的过程视为一种对感受自身的塑造，有点类似于罗斯科或者马列维奇所说的“塑性”，但我并不是从绘画语言的角度出发来做这个事情，画家在过程里面对着更综合的个人状态，过程里的时间和痕迹，个人的意图，都会以语言的方式面对观众，这里存在产生交流的可能。所以我把作为画家的“自我”隐含在作品的语言表层之后，在起作用了，作品对我来说不是表达自我的工具媒介，它们是独立的，也是平行于我的。

Q：物体在你的创作中似乎更多的抽象为一种色彩的结构容器，你怎么看待色彩的精神属性？
A：我是把物体的轮廓在画面中的存在视为一种色彩的结构容器。色彩的精神属性与颜色的符号性质有关，也跟人的日常感受有关。我用三原色和黑色，白色，比较多，作品中的色彩大都经过反复的调和，调和的过程也是伴随感受的变化进行的。纯色作为符号的意味更强一些，灰色对我来说更接近抽象意义上的“真实”，也更有意思，我在日常生活里也比较喜欢偏灰的色彩。